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El arte y la ciencia |
El humanismo desanclo durante el Renacimiento un interés por parte de los intelectuales hacia las ciencias y las artes, hasta el punto de desarrollarse un ambiente en el que prácticamente arte y ciencia llegaron a ser disociables. 
El máximo representante de esta corriente intelectual! y artística fue Leonardo da Vinci (1452-1519). Su legado constituye un pozo inconmensurable de ingenio, sensibilidad y rigor científico.
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Los limites del dibujo Figura |
Dentro del tema de la figura habria que especificar que este es tan amplio, que abarca varios grandes apartados en su seno, que en este caso se han englobado como figura en general. El dibujo de figura comprende toda aquella representacion del ser humano y de los animales. Dentro de la representacion del ser humano habria que destacar la importancia que tiene el estudio del desnudo. 
Se podria afirmar que quien sabe dibujar un buen desnudo lo sabe dibujar todo, ya que representa un estudio tanto anatomico como de las diferentes posibilidades de valoracion de luces y de sombras. Cuando se sabe dibujar correctamente la figura humana desnuda, los demas temas se asimilan con mayor facilidad, pues en el dibujo del desnudo, se resumen todas las cuestiones importantes que afectan al tema general del dibujo proporcion equilibrio, valoracion y composicion.
Se sabe como comienza un dibujo, pero no como va a terminar. Desde un principio el artista decide el motivo del dibujo y comienza por plantear las primeros trazos con el medio elegido, pero hay situaciones en las que la cuestion del dibujo se aleja poco a poco de la primera motivacion que es la de la valoracion y la linea, para llegar a entrar en el mundo de la manchay del color.
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La delicadeza del dibujo oriental |
El arte oriental destaca en la Antigüedad por la delicadeza del trazo y una particular concepción del espacio que influiría totalmente en la pintura de las vanguardias del siglo ex. 
El arte chino tiene dos vertientes estilísticas, una totalmente lineal, que plantea las formas encerradas en sutiles líneas sin ningún tipo de degradado y presentando (cuando lo haya) un color totalmente piano, y otro que resuelve el dibujo a partir de tonos y no de líneas, casi exclusivamente paisajista y proviene de la invención del papel (ario 103 acá). El arte oriental básicamente se baso en la técnica de la aguada y la acuarela, siempre con un marcado trasfondo de dibujo.
Influencia del arte oriental en el contemporáneo
Las vanguardias artísticas del siglo ex hicieron un giro hacia la representación oriental y primitiva. La obra oriental influyo de manera decisiva en la obra de los artistas impresionistas, tanto por el sentido de la espacialidad de los diferentes eleven-tos del cuadro, como por el dominio del dibujo en el desarrollo de la obra.
El arte oriental basado en el dibujo y en la composición no solo influyeron en las vanguardias de principios de siglo. Todavía hoy la mayoría de artistas se basan en el arte oriental antiguo.
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El tema del dibujo |
El dibujo es el soporte de todos los medios artisticos, no solamente de la pintura; cualquier expresion artistica se sirve del dibujo como medio para entender el proyecto a realizar. Tanto la pintura como la arquitectura, la escultura e incluso, en muchas ocasiones, el cine y la fotografia, inician una idea original a partir de su concepcion dibujistica. Por otro lado la universalidad de este medio artistico hace que se adapte a cualquiera de los generos de muchas formas distmtas, como fin, propio del medio, o bien como estudio o paso intermedio para la comprension de un modelo determinado.
Un material sencillo e infinito
Se puede hablar de dibujo de la misma forma que se hace de pmtura, rmisica o danza; es decir de forma general; de hecho asi como existen muchos tipos y tecnicas pictoricas, tambien estos existen en dibujo.
Tecnicas, soportes y materiales podrian abarcar cientos de paginas. De hecho, para dibujar se necesita muy poca cosa, un lapiz y un papel, pero las tecnicas y los temas a desarrollar con estos dos humildes utiles pueden ser infinites; de la misma forma, cada uno de los diferentes medios de dibujo desarrolla una tecnica y unos efectos propios.
En general si se tuviese que realizar una aproximacion a los grupos de materiales de dibujo, estos se clasificarian en lapices y barras de grafito, carbones y lapices de carboncillo, cretas y sanguinas, difuminos y gomas de borrar, tintas, rotuladores y pasteles. Aparte de estos materiales cada uno de los mismos precisa un tipo de soporte determinado; estos tambien abarcan una extensa gama (papeles, papeles de color, cartones, cartoncillos, etc.) y toda la variedad de presentaciones de los mismos (libretas, blocs, papeles sueltos, etc.).
Bodegon
El tema del bodegon desarrolla el estudio de la composicion y del espacio en el cuadro. El dibujo permite la aproximacion al modelo de cara a la obra pictorica, o bien como proyecto dibujistico en si. El bodegon se puede analizar desde muchos puntos de vista, pero principalmente sirve para representar objetos de una parte de la realidad.
Los valores principales que se deben buscar en el bodegon a traves del dibujo parten de la division del espacio y de la composicion de las formas asi como de la apreciacion que se tenga de las proporciones entre los diferentes objetos y el espacio que los rodea otro de los puntos de estudio en el dibujo del bodegon es precisamente el comportamiento de las diversas texturas ante la luz.
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Lápices de color |
Dentro del dibujo no esta excluida la aportación del color. Existen varios medios dibujanticos que aproximan el dibujo al color acercándolo al cromatismo mas variado. Los lápices de colores permiten una gran gama cromática sin salir del terreno puramente dibujantico; por este motivo suponen un medio rápido y limpio para realizar aproximaciones de color a un campo que, de no ser así, estaría limitado a la valoración de tonos.
El dibujo y el cromatismo
El dibujo no siempre tiene porque ser monocroma, de hecho la idea de dibujo no está cedido a ningún medio en particular, si bien ha sido adoptada por aquellos medios secos que por su origen y finalidad artística no suelen aportar excesivo cromatismo.
Sin embargo, se debe admitir que el trabajo con lápices de color no difiere del realizado con un lápiz plomo, es decir el esfuerzo por valorar con grises en el trabajo monocromo del lápiz plomo, se ve sustituido por la aportación de colorido en pos de la valoración, pero utilizando básicamente las mismas técnicas tramado, aprovechamiento de la textura del papel y un trabajo que puede abarcar la línea o la mancha tonal.
La trama y el color
El tramado es el efecto visual que se produce con una superposición cruzada de líneas, de manera que no solamente se plantea la creación de pianos de un color determinado, sino que, a partir del tramado de dos pianos de colores diferentes, se puede llegar a crear un tercer color. A partir del cruzamiento de los tres colores básicos o primarios, se pueden obtener los llamados colores secundarios.
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El canon el renacimiento |
La objetividad con que los artistas renacentistas estudiaban el cuerpo humano les llevo de vuelta a la visión clásica de las medidas del cuerpo humano. El canon pretende en cada momento de la Historia, establecer que medidas se corresponden con el equilibrio de la perfección en el cuerpo.
Este intento cientifista de estudiar la estética de las formas llevo a la mayoría de estudiosos del renacimiento a la elaboración de teorías propias sobre el tema, descritas a partir de los numerosos dibujos. 
En el dibujo de la figura humana conviene tener en cuenta los diferentes ideales de las proporciones humanas para que el trabajo realizado sobre el papel guarde a su vez una proporción lógica con el modelo.
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Geometría de los cuerpos |
Todos los cuerpos se pueden Alegar a entender bidimensionalmente, es decir en el piano del cuadro. Una forma de comprender las líneas que encierran el volumen de los diferentes cuerpos es considerando la forma de los mismos como la síntesis de un conjunto de líneas que dan lugar a pianos de formas geométricas puras. A partir del desarrollo de dichas formas se puede descomponer en el espacio del cuadro cualquier objeto o cuerpo que se pretenda representar.
El cubo
Cuando se plantea el dibujo de un objeto en el papel, es recomendable intentar entender la forma de este asimilándola y comparándola a las formas mas simples que se conocen. Las formas geométricas son mucho mas fáciles de comprender y asimilar que los objetos existentes en la realidad.
Se debe intentar asimilar cualquier objeto a una forma básica; por ejemplo, se observan las principales líneas del modelo y a partir de estas se busca la concordancia con una forma geométrica simple así una silla puede tener puntos de concordancia con una forma cubica.
El cubo en el papel se representa en perspectiva paralela, basándose en la cara frontal y en la base; las cuatro aristas lateras son idénticas, por lo que el piano superior es igual que el inferior. Si se observa atentamente la silla se puede ver que el piano del respaldo ocupa el mismo espacio que el piano de fondo en el cubo.
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Papel. Fabricación y clases |
El dibujo es una técnica aplicable sobre cualquier soporte, siendo el papel el más apropiado cuando se trata de realizar un trabajo realmente purista. El papel presenta un sinfín de variedades, existiendo un tipo apropiado para cada ocasión y para cada medio dibujantico. Las cualidades del papel dependen exclusivamente de su origen, proceso de fabricación, encolado y prensado estos cuatro condicionantes hacen que un papel tenga mayor o menor gramaje, sea mas propicio para carboncillo, para lápiz graso o cualquier otro medio de dibujo.
Clases de papel
Básicamente los papeles para dibujo se pueden dividir en dos tipos, los industriales y los artesanales, aunque, dentro de estas clasificaciones, existen cantidad de calidades que dependen del grado de pureza de las materias primas, de su encolado y del prensado de la hoja con su acabado particular así como del gramaje de cada tipo de papel.
Los papeles para dibujo tienen un grueso determinado por el gramaje este será mayor cuanto más grueso sea el papel. Dependiendo de la técnica que se utilice en el dibujo, será más conveniente utilizar un tipo de papel u otro, ya que los hay con grano o satinados. Un dibujo con pluma siempre se realizara mejor cuanto más satireado sea el papel; en cambio el lápiz y los medios dibujanticos secos, como el grafito, el pastel, la sanguina o el carboncillo, requieren un papel con grano.
Fabricación del papel
El papel se fabrica con cierta facilidad si se dispone de los medios adecuados; además el papel hecho a mano tiene unas características plásticas que de por si son de un gran valor.
El papel se puede fabricar a partir de papeles de desecho, cortado y en remojo hasta que se deshace su consistencia.
Una vez llegado este punto se debe hacer pulpa de la pasta, pasándola por un brazo eléctrico o una batidora; la pulpa se debe quedar en suspensión acuosa hasta que esté totalmente deshecha. Se le apiade a la pasta una cierta cantidad de cola en polvo o bien látex. Se sumerge un tamiz hecho a medida en la pulpa y se extrae piano con la pasta necesaria para una hoja de papel; cuanto más profunda sea la maya mas pulpa recogerá. Cuando esta escurrido el papel se pone entre un Electro y una tela fina para después prensarlo a fin de acabar de extraer el agua.
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Lápices durezas y calidades |
Todo el mundo sabe lo que es un lápiz, pero este termino es tan amplio que engloba una gran familia, del mismo modo que el termino pez abarca un sinfín de especies marinas, con unas características que hacen que se puedan agrupar en un concepto general. Hay lápices blandos, duros, grasos, de mina de plomo, carbón o grafito, de color, de pastel o acuarteladles... una extensa lista que se haría interminable. Es necesario conocer los diferentes tipos y calidades de lápices para saber las cualidades de la herramienta reina del dibujo y sacar de este modo el mayor partido a la misma.
El lápiz plomo ordenadito
El lápiz se compone del batón y la mina, dependiendo su trazo y contraste de la dureza de su gradación y de la forma en como este realizada la punta. El lápiz de mina de plomo o de grafito permite una gran variedad de posibilidades tonales dado que existe una extensa gama de numeración. 
El grafito se encuentra habitualmente recubierto por un bastón de madera para su correcta sujeción, pero también existen presentaciones del medio en las cuales el grafito aparece como una barra compacta pudiendo estar recubierta de una película plástica o carecer de ella. Dentro de las diferentes presentaciones de la mina de grafito existe la de forma cilíndrica o poliédrica, de base rectangular además el grafito puede usarse con portaminas con lo cual se evita sacar punta.
El lápiz calidades y marcas
Se debe aprender a distinguir entre los lápices, seguir sea su calidad, marca y dureza. El dibujo se puede realizar prácticamente con cualquier medio, pero el lápiz es, por excelencia, la más versátil de cuantas herramientas de dibujo puedan existir. Los lápices se pueden dividir principalmente en dos calidades: la que se encuentra graduada con mineros y la que es graduada con números y letras, correspondiendo a la graduación sencilla la primera y a los lápices de calidad la otra.
Las principal características para determinar dentro de la extensa gama de lápices, si un lápiz es bueno o no, es que la madera sea buena y no se astille cuando se le saque punta; y, por descontado, que la mina, bien sea dura o blanda, no se parta con facilidad... Estos requisitos tan solo se garantizan en los lápices de alta calidad.
Dureza e intensidad de la mina
La dureza de un lápiz viene determinada por la graduación de su mina, de manera que un lápiz proporcionara un trazo más negro, intenso y moldeable cuanto mas blanda sea esta, correspondiendo su graduación a una numeración baja. Es decir, un lápiz del minero 1 será blando mientras que a medida que aumenta la graduación, el trazo que presenta ira perdiendo intensidad y posibilidad de contrastes.
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Cera y pasteles al oleo |
Los llamados medios pictóricos desarrollan una importante faceta dentro de su uso como material de dibujo. Tanto las ceras como los pasteles al oleo se pueden usar como medios pictóricos, independientemente de su aplicación en forma de trazo, pues son medios opacos que permiten el planteamiento de un cuadro por manchas o por superposición de pianos. Sin embargo, su presentación en forma de barra permite realizar un trabajo puramente de dibujo, con las características propias de estos medios, pero sin que se Juegue a abordar el terreno pictórico.
La cera y el pastel en el dibujo
Medios totalmente pictóricos como la cera o el pastel pueden liegos a ser utilizados como medios dibujanticos. La diferencia entre dibujo o pintura siempre se ha encontrado en un margen muy delicado, hasta tal punto que a menudo muchas obras que podrían ser tachadas de dibujo, conllevan una concepción puramente pictórica y viceversa.
Parece claro que una obra monocroma y lineal es un dibujo, incluso si las líneas que la forman son de color; dejando así de ser monocroma dicha obra, podría considérate dibujo... Se trata pues de una cuestión de conceptos; entonces se puede llegar a la conclusión de que un dibujo abarca desde la línea hasta la mancha, siempre y cuando la valoración de esta no este entendida como un piano cromático, pudiendo ser resuelta por una valoración tonal.
El pastel se plantea desde un primer momento como cualquier otro sistema dibujantico, es decir, a través del trazo, utilizando la barra tanto de punta como plana, de este modo entra en juego un tipo de lenguaje totalmente dibujantico.
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Pastel y dibujo |
El pastel se encuentra tan cerca de la pintura como del dibujo ya que el pigmento aglutinado que lo compone permite realizar todo tipo de trazados, combinando el gesto del dibujo con la creación de pianos de color totalmente opacos.
La técnica del pastel puede considerarse por igual una técnica totalmente pictórica o dibujantica según sea el uso que se haga de la misma. Las aplicaciones de las reglas del dibujo al pastel se pueden Negar a entender tanto desde el punto de vista monocromo como desde el momento en que se hace uso del color.
Pastel dibujo y pintura
El pastel se encuentra en medio de dos lenguajes esencialmente diferentes como tal, se considera un medio completamente pictórico, pudiendo Negar a rivalizar con el oleo en cuanto a sus posibilidades plásticas fundidos, gradaciones, efectos pictóricos, etc. sin embargo, dependiendo de cuál sea su tratamiento sobre el papel, este luminoso y opaco medio se puede utilizar como un sistema totalmente dibujantico, sin necesidad de intervenir dentro de la cuestión pictórica.
El pastel se plantea desde un primer momento como cualquier otro sistema dibujantico, es decir, a través del trazo, utilizando la barra tanto de punta como plana, de este modo entra en juego un tipo de lenguaje totalmente dibujantico.
Trazo y textura
El pastel permite un trazo seco, pudiéndose aplicar sobre cualquier superficie. Dado que se trata de un medio totalmente seco, como el resto de los sistemas dibujanticos, su aplicación sobre el papel depende de la textura del mismo.
Un papel fuertemente grabado permitirá al pastel una mancha que tape tan solo el grano en realce, mientras que el espacio entre realce y realce quedara cubierto únicamente si se ejerce la presión suficiente con la barrita de pastel, o si se restriega el pastel ya depositado con cualquier tipo de difuminooconlosdedos.
Es por lo tanto el grano del papel el que manda sobre la textura del dibujo pudiéndose alternar de esta forma zonas de un profundo trabajo de valoración, con otras en las que los trazos son superficiales, sin Negar a tapar el poro de la superficie del soporte.
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El esquema y el boceto |
El planteamiento inicial de un dibujo rara vez se concibe como definitiva existiendo un proceso de configuración de líneas previo al desarrollo completo del mismo. Este transito que ocupa el cuadro desde el Bianco absoluto al primer entendimiento de las formas es lo que se denomina encaje, es decir, tal como define el mismo termino, poner en caja; o lo que es similar, sintetizar las formas dentro de las mínimas líneas.
Todos los objetos que se representan pasan por un proceso esquemático antes de ser dibujados de forma definitiva, y este esquema se va enriqueciendo a medida que la confirmación entre el parecido del dibujo y el modelo se va haciendo más evidente.
Una forma básica
Los objetos que se van a representar requieren ser ajustados sobre el papel antes de que el dibujo sea planteado como definitivo. Por ello, si se deduce que todas las formas de la Naturaleza se pueden reducir a unas pocas líneas esquemáticas, esto representara una útil herramienta para poder situar a grandes rasgos el dibujo del modelo sobre el papel.
La forma de los diferentes objetos que se representan se cine a unas figuras geométricas básicas. De este modo siempre resulta más sencillo situar estas dentro del contexto del cuadro, pudiendo desarrollar posteriormente el progreso del dibujo dentro de las líneas básicas que lo acotan.
Encajado de las formas
Cuando se plantea el inicio de un dibujo, se puede recurrir a diversos sistemas de aproximación al modelo. Una de las formas mas habituales de plantear el encajado es a partir de plantear formas geométricas a modo de poliedros (varias caras).
Esa forma básica se puede realizar de un trazo, siempre con rasgos generaste pero reiterando aquello que el dibujo pretenda solventar, por ejemplo, la perspectiva, la profundidad o el volumen; este tipo de encaje, que parte siempre de formas geométricas, se utiliza en el encaje de paisaje urbano y rara vez en el bodegón.
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Paisaje y apuntes |
Dentro de la técnica y práctica del dibujo, el paisaje ocupa un lugar importante como motivo de apunte. El proceso del apunte es a menudo espontaneo, pudiéndose realizar en cualquier situación.
El motivo del apunte en el paisaje se puede buscar casi improvisadamente, por lo que el aficionado siempre debe llevar consigo una peque fía libreta y un lápiz para poder tomar cualquier nota.
El modelo y el apunte
Se puede tener una referencia paisajista a partir de cualquier modelo pero siempre es conveniente que este posea unas características interesantes de cara a la valoración de grises y al propio trabajo de dibujo.
Las características que debe tener el modelo han de abarcar la posibilidad de juegos de contrastes, de forma que se pueda producir en el dibujo un dinamismo entre los claros y los oscuros de los diferentes volúmenes. Previamente al trabajo de dibujo en sí, conviene plantear un rápido esquema de las masas principales a fin de tener, aparte de la referencia real, una ayuda grafica que facilite el trabajo de valoración.
Aplicación del grasado en las masas
Habiendo observado el modelo y tras realizar algún bosquejo previo, se puede comenzar a plantear directamente el grasado de las principales masas, haciendo uso del grafito con todas sus posibilidades regulando la presión de la barra inclinada. Mediante un trazado vertical, rellenando de esta forma los volúmenes de grises y afiadiendo sobre estos una valoración que se forma por la superposición de un trazado sobre otro.
El grafito permite una suave transición del gris al negro, dependiendo esto en gran parte del grano que tenga el papel. Si el papel posee poco grano, los grasados serán suaves, aunque la aplicación del gris será más delicada; por otro lado si el papel presenta una textura media, se permitirá una mejor valoración de los grasados en cuanto a la integración de estos en el papel.
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Encaje estructura y esbozo |
El proceso previo al desarropo del cuadro consiste en la aproximación esquemática al modelo dentro del espacio del papel, a partir de una serie de líneas mas o menos finas, que ayudan en la construcción progresiva del dibujo. El encaje, la estmcturacion y el esbozo son tres procesos aparentemente similares pero con distintas finalidades; todos ellos son necesarios en el estudio a fondo de cualquier modelo para su representación.
El cálculo del encaje
El encaje consiste en la aproximación con las mínimas líneas al modelo, pero estas líneas deben guardar una relación de medidas si se pretende mantener la proporción entre los diferentes objetos del modelo dentro del piano del cuadro. La medida del encaje corresponde a un patrón imaginario previo al comienzo del dibujo es decir, si se establece una unidad de medida en el modelo, cada una de las partes de este deberán referirse a tal unidad para su representación en el dibujo. El patrón imaginario establece una serie de líneas sobre las cuales los objetos del modelo pueden llegar a encontrar un referente mas cómodo que el espacio totalmente Bianco del papel.
El medio dibujantico utilizado no condiciona propiamente la situación de las primeras líneas del encaje ya que estas deben ser siempre objetivas y prescindibles, excepto en aquellos dibujos en los cuales la construcción inicial sea la definitiva.
Por ejemplo, el encaje de un dibujo que va a ser destinado a una acuarela no conlleva un proceso de valoración tonal, las líneas se resuelven de forma casi definitiva, muy esquemáticamente, pero ilustrando a través de la línea simple el piano del cuadro que ocupa. Este tipo de encaje se debe poder eliminar con facilidad para evitar que el trazo tenga presencia en la obra concluida.
Encajado de las formas a partir de líneas simples
Una forma práctica de entender el encaje de un modelo determinado es a partir de esquematizar al máximo el conjunto del volumen que ocupa dentro del marco del cuadro. Unas líneas simples y Claras acotan las formas siguiendo unas pautas casi geométricas; por ejemplo, se puede entender cualquier modelo en general como una forma geométrica pura, y dentro de esta forma que abarca, ir desarrollando a su vez nuevas divisiones que aproximen las formas de los elementos que lo componen a otras formas geométricas simples; de esta manera los diferentes elementos del modelo se van aproximando en el papel cada vez más a la forma que los objetos del modelo tienen en la realidad.
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Proporciones humanas |
Dentro del estudio anatómico deben establecerse una serie de cánones o medidas que sirvan de base para el estudio comparativo de los diferentes miembros del cuerpo. A través de la Historia del Arte se ha observado un cambio constante en el canon de las proporciones humanas. Cada época se ha servido del dibujo para establecer las medidas consideradas como ideales, por lo que tales proporciones han tenido constantemente un punto de referendo acorde con el gusto estético del momento.
Proporciones para el dibujo
El dibujo de la figura se debe regir por dos cuestiones básicas el conocimiento de la anatomía y el control por parte del dibujante de las proporciones entre cada uno de los miembros del personaje o del modelo representado. La finalidad del estudio de las proporciones para el dibujo es dejar establecida la pauta por la cual se rigen las diferentes medidas del cuerpo. La proporción sistematizada por una corriente artística o por una época se acaba convirtiendo en el canon de la misma dicho de otra forma, cada época configura un canon propio para la representación del ser humano, estableciéndose en cada momento la medida para cualquiera de las partes de su cuerpo.
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Sanguina con realces en blanco |
La sanguina es uno de los mas tradicionales métodos de dibujo. Su carácter calido y opaco permite que se pueda realizar el dibujo sobre superficies de color, con la ventaja cromática que supone el contraste de la superposición de un tono sobre otro.
La utilización de la sanguina aporta al dibujo una serie de cualidades de volumen que no se pueden lograr tan inmediatamente con otros medios como el grafito o la mina de plomo. La sanguina se difumina fácilmente y permite el realce en Bianco si, como se ha apuntado, se utiliza un papel que no sea Bianco.
Cresta y sanguinas
La creta esta compuesta de roca caliza amasada y aglutinada con cola; presenta una opacidad densa si se pretende su aplicación directa sobre un fondo de color, y su difuminado puede resultar tenue y suave.
Las cretas se pueden considerar como la más restringida de las gamas cromáticas, ya que su variedad de color apenas abarca algunos colores siena, el color sanguina y el azul oscuro, los justos para poder realizar realces sobre un dibujo en papel de color.
Sin embargo, se pueden encontrar también en el mercado surtidos de cresta de colores, que imitan a los colores pastel; pero de todas formas las más utilizadas por los artistas son las citadas en primer lugar.
La sanguina está fabricada con oxido de hierro y una parte de caliza (Creta) aglutinada con goma; este medio de dibujo es más duro que la Creta y se presenta en forma de barrita o de lápiz.
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El dibujo con rotulador |
El rotulador es el medio dibujantico mas recientemente inventado. Desde su aparición en Japón hacia los anos sesenta hasta nuestros días, cada vez han sido más los artistas que han adoptado este medio como método de expresión plástica. La técnica del rotulador es delicada y compleja, sin embargo tiene unas enormes posibilidades creativas que compiten y están a la altura de los más tradicionales medios de dibujo. La posibilidad de dibujo del rotulador se une al cromatismo que proporciona permitiendo trasladar el color al terreno del dibujo.
El medio
El rotulador se halla constituido por un mango, que sirve a la vez de contenedor de tinta y asidero; la tinta es transportada a la punta a través de una cánula de fieltro especial; en cuanto a la punta, existen muchas variedades y cada día aparecen nuevos modelos con posibilidades más y más amplias.
El tipo de punta en el rotulador es lo que determina el trazo que produce; este puede ser de gruesos variados, desde un diámetro de 0,5 mm hasta marcadores de varios centímetros de grosor; asimismo la punta puede variar seguir la aplicación a que este destinada, pudiendo ser de fieltro, dura o blanda, de pelo sintético con forma de pincel, de goma también con forma de pincel o tipo estilógrafo.
Variedad de trazo
Una de las características de los rotuladores que hacen de este medio un útil de gran versatilidad es la posibilidad de realizar diferentes trazados con un solo tipo de punta, aunque no todos los rotuladores se encuentran preparados para ello, tan solo los que tienen punta biselada o con punta de pincel.
La punta de pincel, como su nombre indica, permite un trazo semejante a la pincelada en cuanto a forma, pero el tono siempre es uniforme; el rotulador con punta biselada permite tres tipos de trazo diferentes: fino, si se realiza con la arista; mediano si se realiza con la parte estrecha de la punta; o bien ancho y corriente, si el trazo es realizado con la parte más ancha de la punta.
Superposición de pianos
El rotulador tiene una tinta transparente que se puede mezclar o fundir sobre el papel; al igual que la técnica de la acuarela, la transparencia de la tinta no permite la realización de opacidades, por lo cual la técnica del rotulador prescinde de la utilización del color Bianco opaco, utilizando siempre como base de luminosidad el color del fondo del papel.
Esta capacidad de transparencia, unida a la inmediatez de su secado, permite una técnica propicia a la superposición de pianos, formándose diferentes calidades y gradaciones tonales si se trabaja con grises, o bien nuevos colores, si los pianos superpuestos pertenecen a cromatismos complementarios.
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El apunte |
El dibujo es una disciplina que requiere ser cuidada y cultivada cada día; a través del ejercicio del apunte se consigue oficio y agilidad a la hora de la representación dibujantica.
Las diferentes técnicas dibujanticas se ponen de manifiesto a través del ejercicio del apunte, en el que se resuelve todo tipo de problemática de espacio, volumen y líneas. El apunte es, por decirlo de algún modo, la gimnasia diaria de la mano sobre el papel. Es el dibujo rápido con un fin de posterior trabajo. Tras una buena sesión de apuntes del natural, siempre se adquiere un mayor dominio del trazo y del espacio.
El apunte rápido
El apunte rápido consiste en generar instantáneas sobre el papel de aquello que se sugiere como modelo. La idea del apunte rápido supone una de las mejores gimnasias tanto para el cerebro como para la mano. A partir del dibujo continuado, las conclusiones que se obtienen siempre sirven de apoyo en los posteriores análisis de las formas.
Para la realización del apunte rápido tan solo se requiere una libreta y un lápiz, ni siquiera goma de borrar ya que este tipo de trabajo es personal y conviene realizarlo por sesiones, aunque estas sean cortas, captando en el mismo papel varias facetas del modelo. En un principio este tipo de ejercicios puede resultar complejo, pero a medida que se va ejercitando, los resultados son cada vez más positivos y el trabajo más fructífero.
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El dibujo en la antigüedad |
La primera de las manifestaciones artísticas del hombre fue sin duda el dibujo. De hecho las marcas dejadas en las paredes de las cuevas tienen siempre un carácter grafico, así como las primeras representaciones escultóricas. El dibujo es la base de todas las artes plásticas y decorativas a la vez que es el primer medio de comunicación utilizado por el hombre antes que el lenguaje hablado y antes que la escritura. Hay que hacer referendo obligada a los ancestros de la cultura para entender el nacimiento de esta a partir de las primeras representaciones graficas, que dieron pie al nacimiento del arte.
Dibujo en la Prehistoria
La necesidad de expresión del ser humano nació al mismo tiempo que el desarrollo tecnológico que le permitió a través de la caza aprovisionarse de carni para su subsistencia. El dibujo nació como un medio mágico de aproximar el modelo del animal representado a la zona habitual de caza. Desde un primer momento la síntesis dibujantica tuvo una gran repercusión en la representación de las formas, de este modo se dibujaban animales con un trazado limpio y conciso. 
La línea egipcia
El arte egipcio era puramente dibujantico, línea limpia y clara con una ausencia total de sombras o valoraciones. Era un arte eminentemente funerario, dedicado a preservar y representar el mundo de los vivos en el reino de los muertos. Por este motivo la mayoría de los hallazgos artísticos se encontraron en monumentos funerarios. La representación de las escenas que narran la vida y propiedades del difunto se realizaba previamente en tablas calizas, ostiakas, y a partir de estas se realizaba la obra definitiva en papiro o bien sobre el muro.
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Copias de maestros |
Una de las formas mas habituales de iniciar una cañera artística es a través de la comprensión del trabajo de los grandes maestros. El dibujo es la base del entendimiento y desarrollo de la obra artística, por ello siempre es aconsejable la revisión y copia de la forma de trabajo que siguieron artistas de la categoría de Miguel Ángel, Leonardo o Caravaggio. A partir de la copia se puede llegar a entender el cálculo de las proporciones, los sombreados o simplemente la visión particular que tales artistas tenían de la realdad.
Maestros del Quattrocento
Masaccio, Donatello y Brunelleschi fueron los promotores del Renacimiento. A partir de estos tres talentos se despertó en Italia en el s. tv un afán por el saber en todos los sentidos de la palabra. Se desarrollo por parte de Piero dela Francesca y de Paolo Uccello toda la teoría de la perspectiva de Brunelleschi y el desarrollo de las artes dibujanticas entro. En una época de esplendor, tanto en el terreno arquitectónico como en el del retrato y el estudio anatómico.
Durante el Quattrocento ya se dibujaba prácticamente con las técnicas conocidas hoy en día. Es importante para el artista actual conocer el método de trabajo de los artistas clásicos a partir del s. tv ya que de estos depende gran parte de lo que hoy conocemos como técnicas de dibujo.
Genios del Cinquecento
La copia de maestros como Miguel Ángel, Leonardo o Rafael es un buen punto de referendo para comenzar a entender la comprensión del dibujo. La valoración y la línea se encuentran explicadas en las diferentes Leonardo da Vinci. Estudio del rostro del ángel de la Virgen de las Rocas. Obras de estos famosos maestros del Renacimiento.
Para copiar un dibujo solo se requiere del modelo, un lápiz y una hoja de papel. El comienzo de la copia siempre resulta coztoso, pero, a medida que se va adquiriendo método y técnica, resulta más accesible el acercamiento y la comprensión tanto del trazo como de la valoración y las formas.
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Apunte rápido de animales |
Muchos son los artistas que disfrutan con el dibujo de animales, teniendo además en ellos a uno de los retos de representación dibujantica más complejos, dado que sus movimientos suelen ser imprevisibles; por eso el esfuerzo de captación por parte del artista es realmente importante, y supone a la vez un optimo ejercicio para educar la mano en el arte del dibujo.
Estructura de las formas
Los animales, al igual que el resto de la Naturaleza, se pueden Negar a entender como formas simples o bien conjuntos de formas geométricas a fin de sintetizar una estructura básica en su representación en el dibujo. Todas las especies animales, incluyendo el hombre, se pueden llegar a esquematizar en una seríe de líneas simples.
En primer lugar, al observar el animal se debe intentar hacer dos tipos de esfuerzo visual. Uno encajarlo dentro de una forma simple y reconocible, pasando a esquematizar dicha forma en el papel con unas líneas sencillas y tenues; el esfuerzo de atención mas complejo es el de intentar entender la forma del espacio que rodea al animal.
El apunte inmediato
Entendida la forma del animal observado, se puede plantear una sesión de apuntes rápidos trazados con una barra de grafito aprovechando de paso las dos posibilidades de trazo que el grafito grueso presenta, la punta para las líneas y el perfil para el trazado de gruesos grasados.
La barra de grafito ayuda mucho en el modelado de las formas y permite captar con soltura las diferentes partes de la anatomía del animal. Aquello que suele presentar mayor complicación en la anatomía del perro suelen ser las patas, pero, una vez que se han realizado varios apuntes, el problema va disminuyendo hasta que la disposición de las mismas se soluciona a partir de un único trazo.
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Anatomía |
El estudio anatómico a través del dibujo supone la mejor aproximación a la realidad humana dentro de las artes plásticas. La anatomía es el estudio de las proporciones y de las diferentes formas del cuerpo. El medio del dibujo permite un exhaustivo análisis comparativo de las formas humanas a través del dibujo y gracias a este conocimiento se pueden plantear posturas y escorzos en el piano del papel o del cuadro.
La musculatura y la estructura ósea
Los músculos modelan el cuerpo, su reparto en el mismo se realiza sobre la estructura ósea, sobre el esqueleto; por ello el conocimiento de la forma de los músculos es tan importante como el de su soporte óseo. Al mismo tiempo, cada zona muscular tiene unas posibilidades elásticas determinadas así como mayor o menor capacidad de acumulación de grasas. 
Para aprender la posición y forma de los diferentes músculos y huesos, un recurso interesante es la copia y el estudio comparativo de atlas anatómicos con los dibujos personales. Por ejemplo, a partir de una pose determinada, se dibuja el esqueleto de la figura después, sobre esta, con papel transparente, se sitúan los músculos y, por último, superponiendo otro papel transparente, se acaba de realizar el dibujo de la figura con la piel.
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Códices y miniaturas |
La evolución del dibujo como base de las artes tuvo un esplendor dentro de la ilustración de códices y libros sagrados en una época en que la cultura quedo limitada dentro de los gruesos muros de los conventos. Los miniaturistas se encargaban de dibujar e iluminar de forma minuciosa escenas literarias, así que la lectura se hacia pedagógica y comprensible. El dibujo sirvió de base y soporte para la preservación de los antiguos textos.
Caligrafía
La caligrafía y el dibujo siempre han estado íntimamente unidos. Los códices se comenzaron a ilustrar hacia el siglo tv, cosa que resulto fundamental para el desarrollo y mantenimiento del dibujo como base de la ilustración y del repertorio iconográfico.
En un principio, hacia finales del primer milenio de nuestra era, los códices eran ilustrados y escritos por lo general por la misma mano, pero, poco a poco, la especialización entre ilustradores y calígrafos separo ambos oficios, dando pie a magistrales caligrafías ricamente adornadas y a libros de modelos en los que monjes ilustradores realizaban muestras originaste para que los copistas tuvieran referencias magistrales.
La ilustración de corte en los cuidemos
La literatura tuvo una gran influencia en el desarrollo del arte, ya que con la aparición en el s. XIII de los cantares de gesta y la trova caballeresca, en las diferentes cortes, comenzando en Francia, los ilustradores encontraron nuevos temas de representación. El dibujo volvió a reflejar escenas de corte, escenas heroicas y de batalla, en algunos casos con gran maestría. Eran los albores del arte gótico, la línea de los diferentes dibujos se iba ale-jondo progresivamente del hieratismo románico.
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Dibujo en la expresión humana |
A través de la línea es posible el estudio y representación del rostro así como la creación de retratos. El dibujo es el medio que permite sintetizar las formas de la manera mas aproximada a la realidad, y solo a partir de una buena esquematización tanto de los rasgos como del contexto general del rostro se puede llegar a conseguir dibujar una expresión del rostro natural y viva. Se deben conocer los diversos músculos de la cara para conformar sobre el papel un rostro con una expresión determinada.
Anatomía del rostro
De la misma forma que, para concretar la anatomía del cuerpo a través del dibujo, es necesario conocer y comprender la situación de los músculos y de la estructura ósea, para la representación de las expresiones del rostro, se debe conocer tanto la estructura del cráneo como la situación y el volumen de los músculos faciales. 
Es importante recurrir al estudio anatómico de la cabeza, partiendo del análisis del esqueleto para comprender el volumen de las diferentes formas. La mandíbula tiene una importancia fundamental en el reconocimiento de los gestos de la cara, ya que indica en parte la inclinación de la cabeza y es la base de tensión de los músculos faciales.
Los mayores músculos que rigen la gesticulación facial son el masetero, el frontal y los orbiculares de los ojos y de los labios pero otros músculos de menor matato ejercen una importante labor en la contracción de la nariz o en la realización de la sonrisa; estos son el superciliar (cejas), el elevador del labio superior, los músculos cigomáticos mayor y menor, el buccinador y el risorio (encargados de los movimientos de la boca), el triangular de los labios y la borla del mentón.
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Trazado básico y la punta |
Las posibilidades del lápiz son muy extensas pero conviene tener en cuenta las calidades de los diferentes tipos de trazos según la punta del lápiz y la forma de incidir de esta sobre el papel.
La punta se puede sacar con maquinilla, pero se debe evitar en todo caso la utilización de aquellas que no permiten una punta larga y afilada; también se puede extraer con cuchilla, de forma que se controle la longitud de la punta extraída.
La cuna de la punta permite la realización de diferentes tipos de trazo, dependiendo de la superficie que ocupe esta. Una punta normal trabajando el dibujo de forma poco inclinada dará como resultado un trazado mediano mientras que si, por el contrario, el trazado se realiza de forma inclinada, la superficie abarcada por la punta será mucho mayor, realizándose de esta forma un trazo mucho mas ancho. Del mismo modo el lápiz que se trabaja desde un Angulo bajo produce un desgaste lateral que permite la realización de trazos finos.
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Difumino |
Dentro de los diversos estudios de valoracion que se pueden realizar a partir del dibujo, existe una henamienta que facilita el trabajo de los degradados estarciendo la zona valorada hasta donde sea necesario. La utilizacion del difumino permite una realizacion de degradados suaves sin la necesidad de una continua intervencion con el lapiz. Como toda herramienta plastica, la utilizacion del difumino requiere una tecnica que se va perfeccionando con la practica.
Tipos de difumino
El difumino es una litil herramienta de dibujo, pero, como toda herramienta, no tiene utilidad si no se conoce su uso. La funcion del difumino, como su nombre indica, es la de fundir el trazo restando por ello parte del caracter gestual que este presente; existen muchos tipos de difumino, de mayor o menor dureza, gruesos o delgados.
El difumino que se comercializa esta fabricado con papel esponjoso, prensado, enrollado y afilado de manera que presenta una punta conica con dos partes utiles, la punta y toda la superficie del cono. El difuminado en el dibujo tiene una funcion puramente valorativa, por ello no debe utilizarse como un recurso efectista, sino como una henamienta practica a la cual recurrir en la elaboracion dibujistica.
Aplicaciones tecnicas
El difuminado se practica sobre el grisado del dibujo restando presencia al trazo y fundiendo tonos, pudiendose practicar degradados tonales o zonas uniformemente grisadas con un caracter de piano, no de trazo. zonas tonales de manera que una linea o trazo situado en un piano se puede Uegar a integrar totalmente en el mismo; e incluso partir de este trazo para realzar un grisado mas oscuro que el piano sobre el cual se ha planteado su difuminado.
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Ten Perspectiva artística |
La perspectiva permite situar a través del dibujo los diferentes elementos del modelo en profundidad sirviéndose de las líneas de fuga. La correcta utilización de la perspectiva en el dibujo supone un mayor entendimiento de la realidad que se está representando.
Las leyes de la perspectiva son aplicables a cualquier representación pictórica pero su base fundamental es puramente dibujantica. La utilización de la perspectiva en el dibujo permite mantener la proporción entre los objetos según su lejanía y se puede aplicar en la obtención de escorzos en la figura.
Perspectiva de un punto de fuga
Los factores básicos que determinan la perspectiva son: la línea del horizonte, el punto de vista y los puntos de fuga. La línea del horizonte coincide con la altura de los ojos del observador independientemente de la situación de este; esto no tiene que ver con la altura en la que se encuentre el modelo que se dibuje; el punto de vista está situado en la línea del horizonte, corres pon-de con el Angulo visual del espectador; los puntos de fuga que se sitian en el horizonte se encargan de concretar en un punto las líneas paralelas oblicuas con respecto al horizonte.
Perspectiva oblicua
Al contrario que en la perspectiva paralela, la perspectiva oblicua presenta distinta situación para los puntos de vista y para los puntos de fuga, sin coincidir estos. Esta perspectiva se caracteriza por tener dos puntos de fuga; sobre la línea del horizonte se sitian los dos puntos de fuga PF1 y PF2 así como el punto de vista (PV). Por debajo del punto de vista y de la línea del horizonte (LH), una vertical marcara la amplitud de la esquina más próxima al espectador; y desde los vértices de esta línea se trazaran las líneas de fuga que coinciden con los puntos de fuga.
Las verticales que acotan las dos caras del cubo se trazan entre las dos líneas de fuga de cada una de las caras, cortando en las líneas de fuga superiores los puntos que marcan el piano superior; desde estos puntos se vuelven a trazar líneas de fuga hacia los puntos de fuga correspondientes, quedando de este modo dibujado el piano superior y concluido el cubo en perspectiva oblicua.
